LOS AMANTES PASAJEROS

Año: 2013

País: España

Dirección: Pedro Almodóvar

Guion: Pedro Almodóvar

Música: Alberto Iglesias

Fotografía: José Luis Alcaine

Género: Comedia Absurda

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Tras haber leído críticas para todos los gustos (mayoritariamente malas, malísimas y destructivas), me fui al cine hace ya unos mesecitos, con las expectativas por los suelos… He de decir que lo último de Almodóvar me sorprendió y para bien.

No esperaba reírme tanto como lo hice y desde luego no esperaba disfrutar tantísimo sentado en la butaca. Si bien es cierto que el guión y la historia tampoco son para tirar cohetes, sí tienes varios momentos brillantes y que consiguen que no te quedes indiferente.

Como siempre, el universo que Pedro crea es muy particular. Los personajes son de lo más variopinto y las situaciones de lo más surrealista, todo “muy almodovariano”. Además el director manchego vuelve a darnos de nuevo lecciones de cómo y dónde colocar la cámara, presentándonos diversos planos de una belleza y potencia aplastante; visualmente es una delicia. Además he de calificar de sobresaliente el montaje de la cinta.

Pero hay un aspecto indiscutible, “Los Amantes Pasajeros” es una película valiente y sin pelos en la lengua. Algunos personajes nos recuerdan claramente a “personalidades” muy reconocibles en nuestro país y son diversos los momentos en que el largometraje mete el dedo en la llaga y retuerce y vuelve a retorcer, atreviéndose hasta con los, hasta hace poco, “intocables” de nuestro país.

Creo que la crítica ha sido realmente injusta con este trabajo y aunque no es lo mejor que Almodóvar ha hecho, desde luego no es lo peor del director y guionista y para nada lo peor que se haya hecho nunca en la industria cinematográfica como algunos críticos se han esforzado en hacer creer.

Parece que este año, de nuevo, la Academia del Cine ha dado la espalda a Pedro, siendo la cinta solamente candidata a un Goya al mejor diseño de vestuario…

Porque es mucho más de lo que parecía ser y porque me ha divertido y cautivado visualmente y aunque el guión no es de sobresaliente, tres estrellas y media van para “Los amantes pasajeros”.

WEEKEND

Año: 2011

País: Reino Unido

Dirección: Andrew Haigh

Guion: Andrew Haigh

Música: James Edward Barker

Fotografía: Urszula Pontikos

Género: Romance. Drama. Homosexualidad

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A menudo pasan películas por las salas de cine sin pena ni gloria y muchas veces esas películas son mucho mejores que las cien que más han recaudado ese año. Otras veces, algunos filmes tardan en llegar a los cines de nuestro país varios años, porque no resulta fácil encontrar un distribuidor valiente y que confíe en proyectos diferentes y arriesgados; este es el caso de "Weekend".

No sé si lo he dicho alguna vez en mis blogs, pero soy un fan y defensor absoluto de la ficción británica. Me gusta mucho su forma de hacer cine y televisión y en gran medida se asemeja a mi forma de ver el mundo y entender la narrativa audiovisual. Sin duda la mejor película europea del 2012 para mí fue "Shame", otra clase magistral de cómo hacer un cine reivindicativo y con fundamento.

"Weekend" nos presenta una relación homosexual efímera, de esas que comienzan un viernes por la noche y se terminan un domingo por la tarde. Tenemos a dos protagonistas perfectamente definidos y bastante opuestos que se complementan a la perfección para llenar la pantalla cuando el otro se queda en un segundo plano.

El tema principal, aquello que sobrevuela silenciosamente por encima de nuestros personajes y por encima de los espectadores es la imposibilidad de consumar una relación plena y satisfacer al cien por cien uno de los deseos principales del ser humano: alcanzar el amor verdadero.

Me sorprendió positivamente lo realista de la película; las cosas suceden así y por lo tanto así llegan al espectador. Probablemente si fuese una situación real y hubiese una cámara oculta veríamos algo similar, además la realización con cámara en mano ayuda mucho a ofrecer un aire documental a la historia. Es una historia muy sincera y debemos agradecer al realizador / guionista la honestidad con la que nos lo muestra.

Creo que películas así son las que necesitamos y desde luego espero poder seguir el trabajo de Andrew Haigh en próximos filmes que espero sean así de profundos y sinceros. Cuatro estrellas enormes!

BEASTS OF THE SOUTHERN WILD (Bestias del sur salvaje)

Año: 2012

País: USA

Dirección: Benh Zeitlin

Guion: Benh Zeitlin, Lucy Alibar

Música: Dan Romer, Benh Zeitlin

Fotografía: Ben Richardson

Género: Drama. Cine Independiente

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Poco acostumbrados estamos a disfrutar en las salas de cine de películas que gocen de una extrema naturalidad como con "Beasts of the southern wild". La película tiene algo mágico que te llega desde el minuto uno y que poco a poco se va adueñando de ti para dejarte casi sin palabras.

Es un proyecto arriesgado y muy personal, pocas veces he visto una mezcla tan perfecta entre fantasía y realismo en el más puro y estricto sentido de la palabra. ¿Cómo es posible que en una historia contada con ese nivel de realidad que te atraviesa por dentro haya hueco para la magia y ambas caminen de la mano hasta el último fotograma?

La mirada pura de la niña, aunque por momentos no tan ingenua, nos presenta el escenario, el conflicto, los aliados... Podemos descubrir rápidamente la desgracia que le rodea, el día a día de su fatalidad y podemos hacerlo desde un punto de vista muy interno, porque a través de la voz en off (recurso que no me acaba de convencer en tanta cantidad) nuestra protagonista se va desnudando ante nosotros y nos va dejando entrar en su más honda intimidad.

El largometraje destaca principalmente por una fotografía asombrosa, podemos disfrutar de la mirada de un genio que consigue, posicionando la cámara, hacernos todavía más partícipes de lo que nos quiere contar.

Pero si hay otra cosa por la que destaca incluso más, es la excelencia con la que está relatada la relación que guardan los dos personajes protagonistas y cómo ese par de actores consiguen convertir un guión muy complicado (en términos de diálogos y realismo) en pura verdad.

Son cuatro estrellas muy merecidas para una película que ha conseguido llegarme y descubrirme nuevas formas de hacer cine.

DE ROUILLE ET D'OS (De óxido y hueso)

Año: 2012

País: Francia

Dirección: Jacques Audiard

Guion: Jacques Audiard, Thomas Bidegain

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Stéphane Fontaine

Género: Drama. Romance

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"De rouille et d'os" prometía ser una de esas películas que te agarran a la butaca, que te emocionan con clase, que entran hasta el fondo y se te quedan clavadas como una sanguijuela, pero lejos de conseguir todo lo anterior te deja nadando en un sinfín de emociones que no eres capaz de gestionar.

Estamos ante un guión muy desigual, en el que la primera parte tiene un ritmo y una calidad excelente, unos diálogos asombrosos y una evolución de la historia bastante esperable, pero es en la segunda parte donde todo se desinfla. Los minutos transcurren con una lentitud sin igual que consigue llegar al final con un espectador cansado y aburrido y lo peor de todo, lo esperable se convierte en previsible, por lo que la película se desnuda mucho antes del fin.

Es cierto que la historia está llena de contrastes y que escenas con mucho ritmo se entremezclan con otras más lentas y contemplativas, el problema es que en algunos momentos se pasa de dramática, y no en el buen sentido del término. Además yo creo sinceramente que para contar ciertas cosas y mostrar ciertas otras, hay que gozar de una sensibilidad exquisita y una mirada privilegiada, algo que por momentos no se vislumbra y hace que ciertas cosas resulten vulgares y desagradables.

Lo que consigue que "De rouille et d'os" no se desmorone en mil pedacitos antes de llegar a la mitad es sin lugar a dudas la magnífica pareja de protagonistas. Todos conocemos sobradamente el indiscutible talento de Marion Cotillard, que inunda la pantalla con su fuerza y su sensibilidad, pero es Matthias Schoenaerts el que da la sorpresa y consigue enamorar al público inmediatamente.

No estamos desde luego ante una película horrible, pero sí ante una que se ha pasado de comedida por momentos y se ha sobrepasado en muchos otros. A veces es mejor insinuar que mostrar, y si muestras debe de ser con una mirada especial.

Dos estrellas y media para un filme que prometió y pudo ser mucho más de lo que es.

O APÓSTOLO

Año: 2012

País: Galicia

Dirección: Fernando Cortizo

Guion: Fernando Cortizo

Música: Xavier Font, Arturo Vaquero

Fotografía: Matthew Hazelrig 

Género: Animación. Stop Motion.

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Hace ya muchos años que esta película lucha por llegar a las salas y cuando por fin lo logra ahí me lanzo yo al cine. Lo siguiente a ganas era lo que yo tenía por verla. La primera película de Stop Motion europea y además gallega, todo un orgullo. Y toda una decepción...

Lo único que se me pasaba por la cabeza a medida que pasaban los minutos era el pensamiento de cuánto trabajo se había invertido en animar una historia tan aburrida y tan floja. Es realmente una pena que la primera película animada con la técnica de Stop Motion en la que tanta gente ha puesta kilos y kilos de ilusión flojee en algo tan básico como es la historia.

El guión es aburrido, sin nada novedoso y nos cuenta algo repetitivo y carente de interés. Los personajes son demasiado típicos y poco carismáticos y el ritmo es lento y tedioso, salvado simplemente por la corta duración del largometraje.

La animación no está nada mal, pero falla bastante la dirección de fotografía y el doblaje realmente podría estar un poco más cuidado. Uno de los puntos fuertes de la película es sin duda la construcción de escenarios, muy bien cuidada y trabajada.

Quizás esperaba mucho más y es por eso que exigía bastante más calidad, pero "O Apóstolo" me ha decepcionado bastante. Creo que el orgullo de poder hacer un largometraje en Stop Motion y ser pioneros en Europa ha podido al compromiso de revisar bien la historia y cuidar lo que se está contando. En este caso el "cómo" no compensa al "qué"; es más el "qué" desacredita y oscurece al "cómo".

En definitiva. Siendo crítico y ciñéndome a lo que he dicho, no puedo darle más de dos estrellas y me fastidia bastante...

LA VOZ DORMIDA

Año: 2011

País: España

Dirección: Benito Zambrano

Guion: Benito Zambrano, Ignacio del Moral

Música: Magda Rosa Galván, Juan Antonio Leyva

Fotografía: Alex Catalán

Género: Drama

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Poder disfrutar de un cine de alta calidad que sea capaz de enamorar a público y crítica y que además tenga sello español es más difícil de lo que puede parecer a simple vista, por eso cuando me encuentro con un producto de tan alta calidad como "La voz dormida" no puedo más que disfrutarlo y sentirme orgulloso de que haya gente en este país trabajando con semejante nivel en sus historias.

Como ya había hecho en "Solas", Benito Zambrano nos presenta la realidad más sangrante de dos mujeres; éstas situadas en la más inmediata posguerra española. Y aunque estemos "hartos" de las mil una películas ambientadas en esa época, hay algo en este filme que lo hace diferente.

Desde luego todo el peso de la historia recae sobre los dos personajes protagonistas femeninos y sobre todo sobre los hombros de María León. No podía parar de preguntarme "¿Dónde había estado esta mujer todo este tiempo?". Parece increíble que una actriz novel defienda un personaje de esta forma y que sea capaz de transmitir tanto sin abrir siquiera la boca.

Son las escenas de visitas en la cárcel las que más me llegaron y en concreto la primera de todas. Dos personajes, un espacio muy reducido y tanto sentimiento hace que esas escenas sean grandiosas y que el espectador no pueda evitar emocionarse e identificarse con ellas desde el primer minuto.

Seguramente haya voces para todo y visiones muy diferentes a la mía, pero "La voz dormida" ha sido capaz de tocarme y llegar muy dentro de mí, así como remover sentimientos y sensaciones que ni yo mismo sabía que estaban ahí. Es por eso que van cuatro estrellas y media para la película que ha conseguido en mí el efecto que muchas otras ni han rascado...

ARGO

Año: 2012

País: USA

Dirección: Ben Affleck

Guion: Chris Terrio

Música: Alexandre Desplat

Fotografía: Rodrigo Prieto

Género: Thriller.

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Nombrada ya por todos como una de las películas del año, "Argo" se sitúa como una de las favoritas a coleccionar cientos de nominaciones en los diferentes premios que se empezarán a entregar a principios de 2013.

No cabe duda que este largometraje es una gran película, está plagado de momentos muy dramáticos y de momentos realmente divertidos y sobre todo está lleno de personajes increíbles con los que rápidamente conectamos.

Dos realidades muy diferentes se contraponen en la historia. Por un lado tenemos un país en guerra, Irán (plagado de violencia y miedo) y por otro lado tenemos representada la opulencia y frivolidad a través de un Hollywood que solo vive por y para la industria del dinero y el cine entendido como una máquina de acumular beneficios. Estos dos mundos conectan a través del protagonista, interpretado asombrosamente con maestría por Ben Affleck.

Sin duda para mí lo mejor y más destacable de "Argo" es su clímax. De una duración que en cualquier otro filme sería insostenible, en "Argo" no solamente se sostiene si no que logra que el espectador se mantenga en tensión y llegue al borde del colapso. Es por eso que el espectador se introduce de lleno en la mente de los personajes y los sentimientos navegan entre pantalla y butacas.

En definitiva, la película contiene muchos y muy diferentes ingredientes logrando que éstos se mezclen muy bien y que el producto final goce de una gran calidad. Cuatro estrellas para "Argo".

LE PRÉNOM (El nombre)

Año: 2012

País: Francia

Dirección: Alexandre de La Patellière, Mathieu Delaporte

Guion: Alexandre de La Patellière, Mathieu Delaporte

Música: Jérôme Rebotier

Fotografía: David Ungaro

Género: Comedia

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Parece que ahora de repente se han puesto de moda las adaptaciones teatrales para la gran pantalla y aunque de entrada eso no tiene por qué ser algo malo, en ciertas ocasiones sí puede desvirtuar un poco el producto y el medio.

Con "Carnage" todavía marcada a fuego en mi cerebro me senté en la sala a disfrutar de "Le prénom" y las sensaciones que me llevé fueron muy diferentes. Si es una adaptación teatral y además se jacta de ello ¿Por qué cambiar el guion de esa forma? ¿Por qué ilustrarnos lo que cuentan los personajes con flash-backs? ¿Por qué salirse del marcado escenario que es el salón? ¿Por qué esa secuencia introductoria tan innecesaria? Pues porque señores, el cine es imagen y a pesar de beber mucho del teatro son dos medios muy diferentes y con herramientas muy específicas.

El guión, teniendo en cuenta que se trata de una adaptación teatral me parece una vergüenza. Los aportes cinematográficos no hacen más que desmerecer la historia y lo siento, no ayudan, no aportan nada, simplemente desvirtúan lo que alguien una vez escribió para ser representado sobre un escenario. Además de que hay un momento en el medio de la película en el que al menos yo desconecté completamente y dejé de sentirme interesado. Demasiadas banalidades enlazadas para poder llegar a la siguiente fase...

¿Es divertida? Sí. ¿Se hace pesada? También. ¿Son una recua de diálogos brillantes asentados sobre una base débil y sin sentido? Por supuesto. Si no nos pasáramos parte de la película riendo, probablemente tendríamos más tiempo de pensar que "Le prenóm" son cinco personas que explotan y sacan su personalidad discutiendo sobre una soberana gilipollez.

Como apreciación personal (como si todo lo anterior no lo fuese ya) me pregunto. ¿Qué necesidad hay de darle a cada personaje su minuto de gloria a través de un monólogo? Ah! Se me olvidaba que es teatro, quizás es por eso que los personajes pecan de sobre-actuados la mayor parte del tiempo. Pero... Qué teatro tan raro, ¿no? Con profundidad de campo, planos cortos, movimientos de cámara...

Claramente la moda de las adaptaciones teatrales a la gran pantalla no es algo casual y puede deberse (¿puede?) a la profunda crisis de ideas que está viviendo el sector audiovisual en general.

Mi conclusión, menos experimentos. Y al menos si se hacen que sean con todas las de la ley, porque el experimento selectivo termina siendo una cosa rara... Dos estrellas y media para "Le prenóm".

VILAMOR

Año: 2012

País: Galicia

Dirección: Ignacio Vilar

Guion: Carlos Asorey, Ignacio Vilar

Música: Zeltia Montes

Fotografía: Alberto Díaz

Género: Drama

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Tener acceso a cine cien por cien gallego y rodado en gallego no es tarea fácil, por eso siempre que un proyecto con estas características consigue ver la luz es algo por lo que nos debemos sentir orgullosos. En proyectos así, en los que además participa gente especial, me cuesta ser completamente objetivo, pero trataré de desligar mis razones personales a lo largo del comentario.

La idea resulta atractiva. Una comuna hippy se instala en un pueblo de la montaña lucense con la influencia franquista todavía coleando entre los habitantes. El choque está claro y las cosas sabemos que no van a ser fáciles para nadie.

La historia no es nada del otro mundo, de hecho es la típica historia que nos han contado cientos de miles de veces en las salas. Una mujer liberal y un hombre conservador, ambos jóvenes, se enamoran perdidamente y como ya todos suponemos las cosas no son fáciles para ninguno de ellos. Pero aún así el amor triunfa por encima de todo... o no...

La fotografía es una de las cosas que más me llamó la atención sin lugar a dudas, pero bien es cierto que los paisajes de encanto ayudan mucho, cosa que no debe desmerecer para nada las tareas de localización, por supuesto.

El guion es bastante justo, nada del otro mundo, llegando a hacerse incluso pesado hacia el final del filme. Una duración de un poco más de dos horas me parece excesiva y más cuando claramente en los últimos veinte minutos nos empezamos a remover en nuestras butacas.

Como apreciación personal pienso que la persona que se encargó de adaptar los diálogos y convertirlos al gallego de la zona donde se supone que está ambientada la película ha hecho un trabajo desastroso. ¿De verdad ese fue el gallego que oyó cuando fue allí? Pienso que deberían pasarse de nuevo por la zona y comprobar que lo han forzado al máximo consiguiendo quitarle credibilidad.

"Vilamor" no es nada del otro mundo, pero es un producto muy digno con muchas cosas buenas. Desde luego es un placer visual y por supuesto debería ser motivo de orgullo para el audiovisual gallego. Vamos por el buen camino y debemos seguir trabajando en esa línea para poco a poco conseguir un sector cinematográfico fuerte y competitivo. Tres estrellas para "Vilamor".

FRANKENWEENIE

Año: 2012

País: USA

Dirección: Tim Burton 

Guion: John August

Música: Danny Elfman

Fotografía: Peter Sorg

Género: Animación. Drama.

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El sello Tim Burton es muy particular, muy personal y habitualmente acompaña a productos muy interesantes y de alta calidad. He de admitir que soy muy fan del director pero con "Frankenweenie" llegó la decepción.

El filme tiene un aire triste, cargado de personajes con mucho encanto y lleno de melancolía; y esto a priori no tiene por qué ser negativo. ¿Qué falla entonces? La historia, y estrepitosamente.

"Frankenweenie" es extremadamente aburrida. El cuento es viejo, visto y gastado, pero tratándose de Tim Burton esperas el punto de vista especial, aquello que lo haga diferente, pero eso no llega y la historia avanza de manera tediosa hacia el final que todos esperamos.

La película no es divertida, no es entretenida, no es novedosa... Y no solo de encanto se vive. "Frankenweenie" se ve salvada por el clímax, muy dilatado y con mucha acción; así que al menos consigue que los espectadores nos movamos en nuestro asiento y no nos quedemos profundamente dormidos.

En definitiva, no es un producto nuevo ni novedoso, no tiene nada de especial, salvo una animación con encanto y unos personajes tristes. Le doy dos estrellas y me parecen demasiadas...

BLANCANIEVES

Año: 2012

País: España

Dirección: Pablo Berger

Guion: Pablo Berger

Música: Alfonso de Vilallonga

Fotografía: Kiko de la Rica

Género: Drama. Cine Mudo.

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Una película muda, en blanco y negro, con actrices excelentes, con una idea muy novedosa y en principio interesante ¿Qué sucede entonces para que el producto final sea tan poco atractivo y carente de interés? Para mí Pablo Berger no ha encontrado nada suficientemente novedoso, sorprendente e interesante que contarnos.

Es cierto que esta "Blancanieves" a la española resulta muy interesante y seguramente sea un filón atractivo fuera de nuestras fronteras, pero a mí la historia se me ha antojado vacía y carente de interés.

La técnica utilizada (cine mudo en blanco y negro) no la encuentro del todo justificada ni necesaria para contar esta historia, por lo que se convierte en un elemento meramente "decorativo". ¿Revolucionario? ¿Original? Hasta cierto punto. Quizás peca de ir de mucho y al final no ser tanto.

"Blancanieves" tiene una banda sonora realmente interesante. En una película de estas características está claro que la música es realmente importante como elemento artístico y mismamente como una protagonista más de la historia. La música es original, dinámica y muy bien traída.

En definitiva, una historia bastante mediocre que pudo ser pero al final no fue. Un montaje interesante y una banda sonora muy buena. Dos estrellas sobre cinco.