PIÈCE MONTÉE (El pastel de boda)

Año: 2010

País: Francia

Dirección: Denys Granier-Deferre

Guion: Denys Granier-Deferre, Jérôme Soubeyrand (Novela: Blandine Le Callet)

Música: Olivier Bernet

Fotografía: Aurélien Devaux

Género: Comedia. Bodas.

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Siguiendo la estela de las películas sobre bodas (de las cuales soy un completo fan) he vuelto a visionar “Pièce Montée) con la que recordaba haberme reído mucho en el cine.

Pues en este segundo visionado no me reí tanto, es cierto que me sonreí en múltiples ocasiones y a veces se me escaba una risilla, pero no fue el descojone de la primera vez.

El filme es una película coral donde como suele pasar a menudo los protagonistas quedan totalmente desdibujados en medio de unos secundarios de lujo. En esa cinta lo más importante no es lo boda en sí o lo que le pase a los protagonistas, si no que lo más importante es descubrir qué aportan las familias de los novios y cómo van recogiendo cada uno de los plantings que nos van presentando.

El mayor problema que presenta “Pièce Montée” es que desde el minuto cero es muy previsible. Desde que tenemos unos pocos datos de los personajes ya nos podemos imaginar qué va a pasar con ellos y eso la verdad es que resta bastante emoción al asunto.

“Pièce Montée” juega muy bien a la contraposición de historias y son las sub-tramas las que realmente dotan de encanto a esta cinta. No podemos evitar identificarnos con todas o con algunas de las pequeñas historias familiares que se van entrelazando y son varios los personajes que conseguimos amar y otros varios los que conseguimos odiar.

No puedo parar de pensar en todos aquellos que han osado comparas “Pièce Montée” con la excelente “Death at Funeral”, la original por supuesto. Bajo mi punto de vista el tipo de humos no tiene que ver y desde luego la segunda es sobradamente mejor película que la primera.

En definitiva, “Pièce Montée” es una película muy normalilla, que entretiene durante 90 minutos y con la que al menos podrás sonreírte con gusto en ciertos momentos, pero que pasa sin pena ni gloria por la cabeza del espectador.

Le doy tres estrellas.

PA NEGRE

Año: 2010

País: Cataluña

Dirección: Agustí Villaronga

Guion: Agustí Villaronga (Novela: Emili Teixidor)

Música: José Manuel Pagán

Fotografía: Antonio Riestra

Género: Drama

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Aprovechando una proyección gratuita y al aire libre en el Parque de la Ciutadella me decidí a ver por segunda vez “Pa negre” y de esta forma poder disipar las dudas que me habían quedado cuando la vi en las salas de cine en el momento de su estreno. Pero la sensación con la que me quedé al final de la proyección fue la misma que tras el primer visionado: es una buena película, con un inicio y un final muy potente, pero le falta algo, no sé el qué, pero hay algo en el nudo que no acaba enganchando.

Está claro que no se le puede quitar el mérito a esta película. Es una historia muy concreta en un lugar muy concreto con unos personajes muy concretos y en un contexto histórico muy concreto, que ha funcionado muy bien en todo el país y que todos hemos podido entender e incluso identificarnos, pero aún así a mí no me consigue emocionar.

Destaca principalmente a nivel interpretativo, con unos personajes protagonistas realmente potentes que están soberbios en sus actuaciones y sin lugar a dudas es el dúo formado por el niño y su madre los que se llevan el gato al agua, simplemente están fantásticos.

A nivel de dirección nos encontramos también con muchos elementos a destacar, en ciertos momentos del filme nos encontramos elementos que detienen por un momento la historia y dan paso a que el espectador pueda reflexionar un poco acerca de lo que le están contando. También la ubicación de la cámara es en muchos momentos un elemento que toma mucho protagonismo y que ayuda a crear una atmósfera que se adapta perfectamente.

En definitiva, “Pa Negre” es una buena película, con un final que te deja clavado al asiento, pero a la que le falta algo para poder ser redonda. También debo decir que estoy un poco candado de las películas de Guerra Civil y de Posguerra española y aunque mucho se empeñen a decir que esta es diferente, yo no le encuentro tantas diferencias como por ejemplo a “La lengua de las mariposas”.

Le doy tres estrellas y media.

SOUL KITCHEN

Año: 2009

País: Alemania

Dirección: Fatih Akin

Guion: Fatih Akin, Adam Bousdoukos

Música: 

Fotografía: Rainer Klaussman

Género: Comedia

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Buscando una comedia para hoy, me he encontrado con la alemana “Soul Kitchen” y como llevaba mucho tiempo queriendo verla me he decidido por ella. El resultado fue claramente horrible. No me sonreí ni una sola vez y lo peor de todo es que no entré en la película ni por un segundo, nada de lo que estaba viendo me interesaba lo más mínimo.

“Soul Kitchen” nos cuenta una historia terriblemente aburrida con unos personajes bastante poco interesantes. En el filme podemos ver el amor que siente un hombre por su restaurante y cómo éste pasa de ser un negocio de segunda a convertirse en un super éxito, eso sí, pasando por etapas que desearía no haber visto y con un final de esos pastelosos, que debo decir es lo mejor que ofrece la película.

No sé si es cuestión de cultura o qué, pero denominar comedia a esta cinta me parece totalmente desacertado, por lo menos en España, aunque no pude evitar imaginarme a muchos alemanes reunidos en un cine de su país riéndose a carcajada limpia de la cosa con menos gracia que recuerdo ver en años.

Los “gags” (lo siento tengo que entrecomillarlo porque no se deberían denominar así en el caso de este filme) no tienen ni pizca de gracia y algunos incluso rozan el mal gusto en el sentido más negativo de la expresión.

La única cualidad que puedo verle a “Soul Kitchen” es el tema culinario que está muy presente y la capacidad que tiene para mostrarnos la comida de un modo que nos atraiga en pantalla. Aún así se me ocurren muchas más películas en las que la comida es el elemento central y en las que este elemento inunda la pantalla embriagándonos.

“Soul Kitchen” es aburrida, previsible, sin alma (y ya es triste para una película que lleva la palabra incluida en su título) y totalmente plana. Me resulta muy complicado que nadie se haya podido introducir en la historia y ya desde luego me parece extraterrestre que alguien haya podido emocionarse con esto. Y lo que más inaudito me parece de todo es que el filme haya cosechado premios en diferentes festivales.

“Soul Kitchen” no me ha gustado absolutamente nada, así que le doy una estrella y media y va más que servida.

BLUE VALENTINE

Año: 2010

País: USA

Dirección: Derek Cianfrance

Guion: Derek Cianfrance, Cami Delavigne, Joey Curtis

Música: Grizzly Bear

Fotografía: Andrij Parekh

Género: Romance. Drama.

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“Blue Valentine” es una de esas películas donde la historia es el centro de la narración y donde los personajes son tan extremadamente completos y cautivadores que es imposible que no te emociones con ellos.

El filme narra la decadencia de la historia de amor de una pareja que lleva seis años de relación y la cual se desmorona a gran velocidad. La cinta va mezclando el momento actual de desesperación que viven los protagonistas con todo el pasado de su relación, explicándonos cómo se conocen y cómo llegan al punto actual. Todo esto con una bella metáfora que comienza en la habitación del futuro de un motel, algo que actúa como un desencadenante de su pasado.

Sin duda el máximo pilar sobre el que se sostiene esta película es la increíble interpretación de ambos protagonistas. Tanto Ryan Gosling como Michelle Williams han echado el resto en este proyecto e incluso intuyo que el rodaje les puede haber dejado tocados, porque es mucha y muy intensa la energía que desprenden en todo momento. Está claro que esta historia no te la creerías si no te crees a los personajes y en este caso no sólo te los crees si no que te emocionas con ellos.

La fotografía de “Blue Valentine” es simplemente maravillosa. La construcción de planos es perfecta, bella… y el tono azul inunda la pantalla a lo largo del metraje. Pero es un azul nada frío, es un azul que al menos a mí me toca, me envuelve, como un halo…

Desde luego esta es una película que recomiendo encarecidamente, es una historia pequeña de esas que emocionan, las historias pequeñas siempre lo hacen, y por encima de todo es una historia interpretada con corazón y eso se nota y con un guión muy bien trabajado.

Le doy cuatro estrellas a “Blue Valentine”. 

CLUE (El juego de la sospecha)

Año: 1985

País: USA

Dirección: Jonathan Lynn

Guion: John Landis, Jonathan Lynn

Música: John Morris

Fotografía: Victor J. Kemper

Género: Comedia. Suspense.

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No hay nada como tener días tontos y con cero ganas de pensar para decidir ponerte una película de esas que al final sabes que vas a lamentar haberte puesto, pues bien, eso es lo que me pasó con “Clue”.

Yo soy muy fan de la literatura de misterio donde hay asesinatos y detectives de por medio que tratan de resolver los casos pensando y analizando los indicios que se van encontrando por el camino, así que pensando que eso era lo que me iba a ofrecer esta película, me la puse. Y sí, eso fue lo que me ofreció, pero ya si en un libro se ve cutre en un filme ni te cuento.

La historia es de lo más básico que te puedes echar a la cara, de hecho yo creo que he leído un libro de Agatha Christie muy similar, por no decir prácticamente igual.

Pero lo que convierte a esta película en algo aún más patético es el tono. Elegir comedia es arriesgado pero si la comedia es tan, y repito, TAN chabacana aún desluce más a un argumento insulso. Los chistes son demasiado fáciles y las situaciones extremadamente ridículas, rozando el patetismo  en muchas ocasiones.

Y ya llegando al final y cuando parece que POR FIN se acaba, descubrimos que no, que el guionista se ha tomado la molestia de hacer tres finales alternativos, a cada cual más pillado por los pelos que el anterior y sinceramente creo que estos tres finales alternativos sólo sirven para alargar la película y convertirla en 90 minutos reglamentarios.

En definitiva, “Clue” es una de esas películas que ofrecen un nivel de entretenimiento aceptable si es domingo por la tarde y no te apetece ni moverte. Le doy una estrella y ya me parece demasiado.

BRIDESMAIDS (La boda de mi mejor amiga)

Año: 2011

País: USA

Dirección: Paul Feig

Guion: Kristen Wiig, Annie Mumolo

Música: Michael Andrews

Fotografía: Robert D. Yeoman

Género: Comedia. Bodas.
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Aconsejado por mucha gente y sin demasiadas pretensiones decidí ir al cine a ver “Bridesmaids”, noche de viernes, comedia ligera… Y el resultado fue diferente al que esperaba, me reí y mucho, como pocas veces antes me había reído, a carcajadas y a punto de atragantarme con las palomitas y la coca-cola en dos ocasiones, porque “Bridesmaids” es para disfrutarla con un buen menú gigante.

Y es que “Bridesmaids” no es la típica comedia romántica y edulcorada a la que nos tienen acostumbrados en Usa, obviamente los esquemas se repiten pero en este caso muy bien reinterpretados.

Una de las mejores bazas del filme es la construcción de personajes. La protagonista está muy bien trabajada y ya desde la escena uno somos conscientes de qué momento está pasando en su vida y no tardamos mucho en identificarnos y compadecerla: el drama de que tu vida amorosa sea un desastre y tu mejor amiga esté a punto de pasar por el altar. Y por si esto no fuese suficiente, a lo largo de la película vamos viendo cómo el resto de su vida se desmorona a todos los niveles, llegando a tocar el fondo más absoluto.

Y esta protagonista se acompaña de unas secundarias de lujo, el resto de las damas de honor. Destaca por encima de todas Hellen, interpretada por Rose Byrne, que es la típica amiga millonaria, pija e insoportable a la que todos lamen el culo; bueno, o no todos… Es una pena, que en esta película y en la mayoría de ellas con argumentos similares, sea la novia la que aparece más desdibujada pasando sin pena ni gloria, pero en toda película que se precie algún personaje es decapitado sin piedad.

El universo de la película se va creando con múltiples gags que van subiendo en intensidad y comicidad y que la protagonista, interpretada por Kristen Wiig, soluciona a la perfección. Puede ser que esto se deba a que ella es una de las guionistas, pero lo cierto es que me ha sorprendido mucho para bien.

En definitiva, harto de las típicas comedias románticas aburridas y que ponen al espectador al borde del vómito emocional, creo que “Bridesmaids” consigue emocionarnos y que nos riamos bien a gusto, algo muy difícil en los tiempos que corren. Aún a riesgo de que alguien me mate le doy cuatro estrellas y me quedo tan ancho.

SUPER 8

Año: 2011

País: USA

Dirección: J.J. Abrams

Guion: J.J. Abrams

Música: Michael Giacchino

Fotografía: Larry Fong

Género: Ciencia Ficción. Aventuras.

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Una pequeña joya ha llegado a las pantallas de cine a finales de verano y esa no es otra que “Super 8”. Y es que esta película es mucho más que una simple historia de aventuras de un grupo de adolescentes, esta película es un claro tributo a las grandes producciones de los años 80.

“Super 8” destaca por muchos aspectos, pero uno de los que más me sorprendió es la brillantez del guion, que está lleno de momentos inolvidables. En esta película consiguen algo muy difícil y es mezclar con maestría una historia de aventuras con momentos dramáticos que consiguen que el espectador se remueva en su butaca.

La filmación de una película amateur es el hilo argumental que nos lleva hasta el final, pero todo esto mezclado con el misterio que nos aporta la desaparición en extrañas circunstancias de los habitantes del pueblo y con la emocionante historia de amor adolescente de los protagonistas. Es de hecho esta trama la que nos deja los momentos más inolvidables. No puedo dejar de estremecerme al pensar en la escena en que los chicos hablan del accidente de la fábrica y la niña le confiesa que desearía que su padre fuese el que muriera.

Otro de los aspectos que más me impactó es la increíble actuación del grupo adolescente protagonista. Muchas veces en las películas, los niños quedan poco creíbles o muy sobreactuados, pero en “Super 8” todos y cada uno de ellos están extraordinarios, destacando por encima de todos el personaje de Alice interpretado por Elle Fanning.

En definitiva, “Super 8” es un producto que no deja indiferente a nadie, reúne todos los elementos que consiguen mantener al espectador pegado a su asiento: aventuras, drama, amor… Además de ser un claro tributo a una generación que creció con este tipo de producciones.

Es por todo esto que le doy cuatro estrellas merecidísimas.

LA PIEL QUE HABITO

Año: 2011

País: España

Dirección: Pedro Almodóvar

Guión: Pedro Almodóvar

Música: Alberto Iglesias

Fotografía: José Luis Alcaine

Género: Thriller, Ciencia Ficción, Drama.

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Tras mucho tiempo sin actualizar el blog, hoy he recordado que también tenía uno de películas, he decidido crear una nueva entrada y la película culpable es “La piel que habito”, lo nuevo de Pedro Almodóvar.

Debo admitir que fui al cine con muchas reservas acerca de este proyecto, sobre todo después de haber sufrido “Los abrazos rotos” y digo sufrido porque fue la única vez en mi vida que tuve verdaderas intenciones de salirme de la sala y dejar la película sin terminar.

Pues bien, en este caso y aunque la película no me apasionó, sí que debo decir que es perfectamente soportable y entretenida. Está claro que es un proyecto diferente y arriesgado y algo a lo que el cine español no está demasiado acostumbrado. La historia engancha casi desde el minuto uno y a lo largo de la filmación consigue que el espectador esté cuanto menos medianamente interesado en lo que le cuentan.

“La piel que habito” es una gozada en cuanto a composición de imagen y ambientación musical se refiere, pero el guión tiene muchas y muy importantes lagunas. Bien es cierto que estamos ante una especie de thriller de ciencia ficción que roza el surrealismo, pero ese surrealismo debe estar justificado en un contexto y creo que es ahí donde falla estrepitosamente este filme. Muchos detalles salen vomitados y nada justificados tratando de que los espectadores nos traguemos todo lo que nos pongan delante, y eso hoy en día resulta muy complicado en un espectador acostumbrado a la ciencia ficción y a los mundos inventados que se rigen por unas reglas que todos conocemos de antemano y que no se sacan del bolsillo.

Aunque Antonio Banderas no es de mis actores predilectos, debo decir que en esta película está soberbio, al igual que el resto de sus compañeros de reparto, donde resalta especialmente Elena Anaya (de una belleza hechizante, no sé qué le pasa en esta película pero invade la pantalla como nunca) y Marisa Paredes que está a la perfección en su papel.

El tono de la película roza bastante la comedia negra, pero bien es cierto que no es desternillante en ningún momento, pero hay que alabar la capacidad de Almodóvar para conseguir sacar una sonrisa del espectador cuando la película ha llegado a un momento de sobresaturación insostenible.

Lo que más me chirría en esta película es el final, de hecho la última frase que sale de la boca de Elena Anaya consiguió arrancar una risa a todos los espectadores de la sala y no porque ésta fuese especialmente divertida, si no por la forma tan patética de acabar esta historia.

En definitiva, creo que “La piel que habito” es de lo mejor que ha hecho Almodóvar en estos últimos años, obviamente a millones de años luz de su maravillosa “Volver”, pero es un producto muy digno, muy arriesgado, con una estética casi perfecta e interpretado con maestría. Es por eso que le doy tres estrellas y media.